13.4.13

Nuevo Diseño

Con gusto les presentamos el nuevo diseño de nuestra página, esperando que sea del agrado de todos.


El código ha sido reescrito íntegramente en HTML5 y CSS3, adaptado de otros diseños originales, creados por Johanes DJ (la plantilla de la página) y Caleb Jacob (presentación de diapositivas).

Esperamos sus sugerencias y comentarios.

8.4.13

AquaSixio




AquaSixio muestra un gran imaginativo y un magnifico uso de la luz. Sus geniales tutoriales no solo hablan de color y forma, también hablan de la creatividad. Con un poco de paciencia con el inglés, se pueden encontrar pequeñas ideas para mejorar el manejo del color digital.








24.3.13

Antes de crear Family Guy, Seth MacFarlane trabajó como guionista en series como El laboratorio de Dexter y Johnny Bravo.


Tras acabar la universidad, MacFarlane fue contratado por Hanna-Barbera debido a su talento como guionista (a pesar de ser también buen animador). Trabajó como dibujante y guionista en varias series de animación de Cartoon Network: El laboratorio de Dexter, Vaca y Pollo, Soy Comadreja y Johnny Bravo.


Fue en ‘Johnny Bravo’ donde dedicó más tiempo, al trabajar como guionista y dibujando storyboards. Esta serie le permitió aplicar su propio estilo al escribirla, algo que no podía hacer con las otras series. Durante sus años en Hanna-Barbera conoció a gente que más tarde formarían parte de ‘Padre de familia’.

20.3.13

Arte para reírse de la crisis


A pesar de que la crisis esté haciendo las cocas muy difíciles para los trabajadores, los artistas sacan inspiración y la aprovechan para realizar obras que denuncian los hechos que están ocurriendo en la actualidad, Artistas de España, Grecia y Argentina exhiben sus viñetas sobre la catástrofe económica.
He aquí un fragmento del artículo en cuestión.

“La crisis, una desgracia para las sociedades que la viven, pero, a la vez, una fuente de inspiración para los maestros del humor. En una época de austeridad, el Instituto Cervantes de Atenas, el centro de la situación delicada del euro, ha tomado la iniciativa de recopilar viñetas de artistas de tres países que estuvieron o están pasando por graves dificultades para la exposición El cómic y la crisis. Son 42 obras de los españoles Bernardo Vergara y Manel Fontdevila, de los griegos Constantinos Papamijalópulos, Mijalis Dialinás y Petros Jristúlias y del argentino Bernardo Erlich (colaborador de EL PAÍS), que se exponen hasta el 13 de abril en la sede del instituto en Atenas.“
Desde “El País" la noticia completa.
http://cultura.elpais.com/cultura/2013/03/14/actualidad/1363284719_293268.html

15.3.13

Encuentran evidencias de un cine primitivo que data del paleolítico.


Un estudio publicado recientemente en la revista Antiquity analiza 53 obras rupestres descubiertas en distintas cuevas francesas. Algunas de las pinturas analizadas presentaban animales con muchas patas, o algunas partes de su cuerpo repetido, lo que para los investigadores supone una prueba deintentos primitivos de animación. Según afirman en el trabajo, esta forma de dibujar los animales permitía que las imágenes parecieran moverse bajo la luz de las llamas. La cueva Lascaux, al suroeste de Francia, es la que contaba con mayor número de animaciones. “Se han encontrado unas 20 representaciones de animales, principalmente caballos, con la cabeza, patas o cola multiplicadas“, afirma Marc Azema, de la Universidad de Toluose-Le Mirail (Francia).
También se han encontrado varios discos grabados por ambas caras, que pudieron haber sido usados como taumatropo, un juguete consistente en un disco en el que se insertan dos cuerdas o una goma a cada lado. Al girar rápido el disco con la ayuda de las cuerdas las imágenes se combinan y se obtiene una animación. Tanto los discos como las pinturas podrían estar anunciando la aparición siglos después del cine, afirman los expertos.


14.3.13

Mis bebés - pizquichusky.blogspot.com.es




Estas son ilustraciones de trabajos personales. Varias veces me han preguntado por qué dibujo tantos bebés y cómo consigo hacer un trazo tan fino, por lo que también voy a explicar mi método de trabajo al hacer retratos.

Dibujar bebés hace que consiga relajarme por alguna razón que desconozco. Haciendo este tipo de ilustraciones saco lo mejor de mi, y eso se refleja en el trazo según voy trabajando la ilustración, ya que es completamente diferente al trazo de los trabajos que no me agradan tanto. Me suelen hacer encargos de retratos, y a veces no consigo darle la expresión que tiene la persona a la que retrato, pero cuando retrato un bebé considero que me sale mucho mejor. Debe ser por las connotaciones que tienen de por sí los bebés.

Debido a la costumbre que tengo ya en hacer retratos, no suelo hacer ningún tipo de medición previa para encajar el dibujo correctamente en el papel. Lo dibujo directamente a ojo y sin que los trazos queden casi apreciables a simple vista, ya que lo trabajo a base de manchas.

Para hacer este tipo de trabajos el papel que normalmente uso son láminas básicas o papel ingres, porque permiten dar muchas capas de color; y lápiz grafito o lápiz de color. Las luces, las sombras y los tonos de color de la piel son muy delicados y con el lápiz puedo trabajarlos poco a poco. Siempre voy dando los tonos a capas, de más claro a más oscuro para acertar mejor con el tono que quiero y para que los degradados se vean lo mejor posible, porque no me gusta usar ningún tipo de truco, material o instrumento para difuminarlos más que el trabajar con mucha paciencia. Nunca hago trazos muy saturados de color directamente a no ser que sean detalles para finalizar la ilustración.

Para finalizar la ilustración le aplico un spray fijador de la marca Winsor & Newton para técnicas secas, así el lápiz dura mucho más en el papel, le da un poco más de brillo y es un poco más resistente a la humedad y ese inevitable color amarillo del paso del tiempo.

Más retratos y trabajos míos en mi blog http://pizquichusky.blogspot.com.es/ que iré subiendo poco a poco ya que llevo poco tiempo con él.

13.3.13

breathing2004



Breathing2004 es la demostración de que ningún género artístico está muerto. Utilizando programas de diseño crea estas magníficas vidrieras frikis llenas de detalles y color. Es un verdadero placer detenerse para observar todos sus detalles.





12.3.13

La gran pregunta…¿Y después qué? - joerivero.blogspot.com.es

Después de terminar la escuela muchos no sabrán que hacer, o simplemente no saben cómo seguir formándose o ni siquiera saben qué camino seguir, es por eso que voy a explicar el camino al que estoy intentando dirigirme, el mundo de la Animación.


Contrariamente a los que muchos piensan, una película de animación se compone de muchísimos trabajadores para lograr realizar un largometraje o un corto. Voy a intentar explicar lo que sé (siempre en la rama de ilustración/diseño):

-Artista conceptual: Es aquella persona que empieza a convertir las ideas de otros en algo físico y visual. En el mundo de la animación es posible que se use más el termino de diseñador de personajes o entornos, y prácticamente su trabajo es realizar bocetos y posteriormente los diseños de todo lo que vaya a encontrarse en la película e incluso fuera de ella.

-Tipógrafo: Creo que en todo estudio hay un tipógrafo que se dedica a (obviamente) toda la tipografía relacionada con la película, siempre se va a requerir tipografía, sobretodo para los medios de campaña y marketing de la película.

-Matte-Painter: De los bocetos y diseños del artista conceptual o diseñador se intentará crear una imagen realista de lo que se pretende. Este puesto en películas de animación de "dibujos" tal vez no exista, pero en películas como El Señor de los Anillos o El Hobbit hay un gran trabajo de mattepaint tanto en escenarios como a la hora de diseñar los personajes. Digamos que se encarga de dibujar "encima" de la realidad o natural.

-Modelador 3D: La persona encargada de realizar los modelos en una simulación de 3D.

-Rigger: Es el que va a trazar los huesos y los puntos de movimiento de la cara en el modelo 3D, para que después el animador pueda manipular estos puntos.

-Animador: Una vez teniendo todo lo anterior (mejor dicho, el modelo y huesos) el animador es el que se va a encargar que los gestos del personaje y movimientos sean lo más realistas posibles. Es casi como ser un actor, pero a través de un modelo.

-Especialista en efectos visuales: Desde explosiones, hasta movimientos con el agua, spots publicitarios, etc… Todo lo hace él!

Obviamente, las especializaciones en algo no las dan gratis, las da el dinero o el tiempo. Si eres una persona autodidacta seguro que sabrás cómo aprender lo que desees realizar, pero por si no fuera así, dejaré algunas páginas para aprender bastantes cosas sobre esto:

www.digitaltutors.com

www.video2brain.es

Estas dos son las únicas que conozco sobre tutoriales de programas de animación, eso más algunos libros con los que podrás seguir con tu camino. Sin embargo, aquí dejo otra página dónde se pueden conseguir muchos tutoriales.

www.cgpeers.com

Si eres de las personas que necesitan aprender mediante clases presenciales, existen escuelas en España muy interesantes como:

La ESDIP (Madrid)
Pepe School Land (Barcelona)
Animum3D (Málaga)
La Escuela TRAZOS (Madrid)
FX Animation (Barcelona) <- Trabajan con el MockUp

Obviamente, estas escuelas valen dinero, más o menos 6.000€ por año, algunas de éstas un poco más incluso, eso más vivir allí… Para los que no puedan permitirse ir a ningún lado, tienen escuelas online que dan un muy buen soporte:

www.animum3d.com (cuenta con varios cursos importantes de animación con profesionales del sector que trabajan para Pixar, Disney, etc…)
www.animationmentor.com (en inglés y más cara que la anterior, pero tienes a tu disposición expertos que sólo trabajan para las grandes compañías)

Esto es una breve introducción sobre la orientación hacia el mundo de la animación, si quieres saber más, indaga en las páginas que he citado y contacta con ex-alumnos de estas escuelas para saber sus experiencias.

joerivero.blogspot.com.es

Disney se aleja de la animación tradicional


Disney se aleja de la animación tradicional

El estudio dice que ninguna de sus empresas de animación está trabajando en el formato 2D tradicional, y que no planea hacerlo pronto.

Disney, el titán de Hollywood que reunió a los clásicos mundiales como "Fantasía", "Bambi" y "Blancanieves y los Siete Enanitos", ha admitido que actualmente no tiene planes de hacer películas de dibujos animados a mano.

Al hablar en una reunión anual de accionistas en Phoenix, Arizona, el presidente ejecutivo Bob Iger reveló que ninguna de las empresas de animación estaba trabajando en material 2D para la gran pantalla. Aunque Iger no ha descartado volver al estilo que hizo famosa a la compañía, el desarrollo de las otras producciones podría dejarnos sin ninguna película 2D durante años.

"Que yo sepa no estamos desarrollando una película en 2D o tradicional ahora mismo", ha dicho Iger. "Hay mucha actividad en el sector de la animación dibujada a mano, pero es en gran parte para televisión. No estamos necesariamente descartando la posibilidad de hacer una película, pero no hay ninguna en desarrollo en este momento".

La noticia ha decepcionado a los fans de la animación tradicional, que habían aclamado el resurgimiento de esta técnica a manos de John Lasseter, el jefe de Pixar que también se convirtió en Director Creativo de Disney Animation en 2006. La primera decisión de John Lasseter en Disney fue reabrir el departamento de animación tradicional y recontratar a muchos de los animadores que fueron despedidos a causa de la aparición de la tecnología por ordenador en la década de 90.
"Desafortunadamente el 2D se ha convertido en una excusa para contar historias mediocres", dijo Lasseter, "El consenso general ha sido que el público no quiere ver películas de animación manual, lo cual es completamente ridículo. El día que entré me puse en contacto con estos chicos y me dediqué a traer de vuelta a los artistas que Disney había despedido. "
El primer fruto de este departamento  fue "Tiana y el Sapo".  Este musical tradicional basado en la historia “El príncipe Rana” de los hermanos Grimm, pero reubicado en Nueva Orleans en 1920, fue muy alabado por la crítica, pero no reflejó el acostumbrado éxito de Pixar en la taquilla, recaudando una rentabilidad mediana de 267 millones de dólares.



Otra animación dibujada a mano, "Winnie the Pooh" (2011), también recibió elogios de la crítica, pero se retiró con tan sólo 33 millones de dólares recaudados en todo el mundo.

Mientras tanto, los esfuerzos de CGI de Disney como "Bolt" (2009) y "Enredados" (2010), recaudaron 310 y 590 millones de dólares respectivamente. Es lógico pensar que por mucho que Lasseter ame la animación tradicional a partir de ahora quiera ir sobre seguro.


No todo son malas noticias para el estilo que hizo el famoso estudio, sin embargo. Hay varios rumores que señalan que Disney está planeando una película utilizando técnicas similares a las de "Paperman", ganador de un premio Annie y un premio Óscar en la categoría de mejor cortometraje animado.
"Paperman" combina elementos de la animación tradicional y la animación por ordenador. Se ha creado un software llamado Meander, que permite mezclar ambas técnicas. El proceso consiste en crear modelos tridimensionales de los personajes y objetos, los cuales sirven como guías para realizar los posteriores movimientos. Después de esto, los animadores dibujan sobre los modelos tridimensionales, logrando la apariencia de la animación tradicional.


Aún así, es una pena que los estudios abandonen la técnica tradicional para grandes proyectos, porque la animación 2D posee una cualidad cantarina y personal, y se la echará de menos.

11.3.13

Boris Vallejo



Boris Vallejo nace el 8 de enero de 1941 , es un dibujante nacido en Lima, Perú, hijo de un próspero abogado. Boris emigró a Estados Unidos en 1964, donde reside. Actualmente tiene 72 años.

Vallejo dibuja casi exclusivamente para los géneros fantásticos y eróticos. Sus dibujos han ilustrado la portada de docenas de obras de ciencia ficción y han sido presentados en una serie de calendarios que se han convertido en best-sellers. Vallejo ha creado póster para películas, como Barbarian Queenand National Lampoon's Vacation. Vallejo se encuentra casado con la también artista Julie Bell, cuyo estilo es bastante similar. Vallejo tiene dos hijos de un matrimonio anterior, uno de los cuales, Dorian Vallejo, también ha trabajado en el género de fantasía.

Los dibujos de Vallejo muestran típicamente a dioses, monstruos y/o musculados bárbaros (hombres o mujeres) en plena batalla. Muchas de las figuras masculinas se basan en el propio Vallejo, mientras que muchas de las femeninas se basan en su esposa. Sus últimas historias se inclinan más hacia el lado erótico, aunque siguen conservando los temas de fantasía.

También Vallejo representa la desnudez del cuerpo femenino, y da un gran nivel de detalle a las bestias que complementan las composiciones de sus obras creando así el entorno fantástico que caracteriza su estilo .

Por último debemos destacar sobretodo los colores, empleando la técnica del óleo en combinación con el aerosol.

Un 16% de las especies animales de “Buscando a Nemo” están en peligro de extinción.


Un 16% de las especies animales que aparecen en la película de animación Buscando a Nemo, de Píxar, se encuentra en peligro de extinción, según ha desvelado un estudio de la Unión Internacional para la Conservación de la Natraleza (UICN). Publicado en la revista Conservation Letters.
Los autores del trabajo estudiaron a 1.568 especies pertenecientes a 16 familias de animales marinos que aparecen en la película. En total, dieciséis de cada cien animales evaluados se encuentran amenazados, un porcentaje que oscila entre “solo” un 9% entre los peces óseos como la divertida Dory o el propio Nemo (pez payaso), y el 100% en el caso de las tortugas marinas. El 43% de los caballitos de mar también están en peligro de extinción, así como el 13% de los pelícanos.
En el estudio, los científicos ponen de manifiesto de las medidas de protección legal son especialmente deficientes para tiburones y rayas: solo un 8% de las especies analizadas están protegidas, a pesar de que en el caso de los tiburones de la familia de los lámnidos, entre los que se encuentra el tiburón blanco, el riesgo de extinción se extiende al 80% de las especies.

9.3.13

¡Triz, dibujante de cosas majas!

Bea Tormo es el nombre real de esta  ilustradora española, que concretamente  es riojana.
Estudió en su ciudad natal, Logroño, Ilustración en primera instancia y luego decidió intentarlo con Diseño, finalmente se decantó por su interés principal y se marchó a vivir a Barcelona.
Ha ganado varios certámenes de cómic,  ha colaborado con “El estafador” y trabaja para la revista “El Jueves”, entre otros, además también vende ilustraciones para el público infantil.
Esta ilustradora tiene un estilo de dibujo muy “majo”, como ella misma lo califica, además de un uso divertido de las expresiones, situaciones y colores.


Últimamente se ha decantado por utilizar de referencia para sus ilustraciones unas versiones de fotografías de época, con un resultado muy divertido y estético.

Podéis saber un poco más de su obra con su blog de blogger:
http://puntosupensivos.blogspot.com.es/
y su facebook:
http://www.facebook.com/pages/triz/136941669735565?fref=ts

DestinyBlue


DestinyBlue es una ilustradora británica que, con un estilo con mucha influencia del manga, trabaja el color, el contraluz y la temática con una tristeza implícita que me sorprende. Se nota que ha evolucionado mucho en poco tiempo y está dispuesta a ofrecer sus conocimientos, colgando tutoriales y pruebas de color en su página de DeviantArt.





8.3.13

En 1982 un directivo de Pixar fue despedido por Disney; no le veían futuro a su idea de animación digital.



Sí, la misma animación digital que se usa para desarrollar a día de hoy las películas de animación. Aunque es de suponer que hace 30 años los métodos eran un poco más rústicos.
John Lasseter, el “hombre fuerte” de Pixar, fue despedido de Disney en 1982 tras mostrar un trozo de “Where the Wild Things Are”, utilizando como novedad un fondo animado digitalmente. Al administrador de animación, Ed Hansen, le pareció una muy mala idea. Dos décadas después, Pixar terminó siendo la salvación de un alicaído Disney. El vídeo puede verse a continuación. No está en calidad blue-ray, precisamente, pero qué se le va a pedir a un vídeo de los años 80.

http://www.nosabesnada.com/

Burne Hogarth, el Tarzán del comic

Si estás interesado en la anatomía del cuerpo humano o del cómic americano te invitamos a conocer al ilustrador Burne Hogarth.
Nació  en  Chicago, el  25 de diciembre de 1911. Fue un autor de cómics estadounidense, conocido principalmente por su trabajo pionero con el personaje de Tarzán en las tiras de prensa. Además de ilustrador, fue profesor de dibujo y de historia del arte, escritor y teórico.
Durante décadas fue un profesor muy influyente y un artista visual conocido en todo el mundo, además de Tarzán, por su serie de libros de anatomía, a la que se menciona con frecuencia.


 En 1926, tras la prematura muerte de su padre, comenzó a trabajar como ilustrador para Associated Editors Syndicate. Su talento como dibujante y su educación artística le pusieron en contacto con las casas editoriales, y consiguió ganarse la vida editando y creando anuncios e ilustraciones en su adolescencia. Este trabajo resultó ser estable y, para 1929, un empleo crucial. Sus primeros intentos a la hora de hacer una historieta, Ivy Hemmanhaw (1933), para la Barnet Brown Company, tuvieron cierto éxito.
Conforme la Gran Depresión empeoraba, a instancias de sus amigos se trasladó a Nueva York, continuando su trabajo en la ilustración y edición de periódicos así como historietas.  En 1934 comenzó a trabajar como ayudante para el King Features Syndicate, para la que realizó una serie de piratas de Charles Driscoll, titulada Pieces of Eight (1935).
En 1936 le llegó su gran oportunidad al ser designado sucesor de Harold Foster al frente de la página dominical de Tarzán, de United Feature Syndicate, que realizaría durante un total de doce años, de 1937 a 1945, y de 1947 a 1950; la interrupción se debió a su trabajo en otra serie, Drago, las aventuras de un gaucho en la Pampa argentina, que tuvo una vida efímera. En 1948, también para United Feature Syndicate, creó su única serie humorística, Miracle Jones.

En su trabajo con Tarzán se han observado influencias del manierismo (sobre todo en su tratamiento del cuerpo humano), el barroco e incluso el expresionismo alemán y el arte chino, en lo que se refiere a la abigarrada composición de sus páginas, hasta el punto de recibir el apodo de «Miguel Ángel del noveno arte». Otorgó una agitación y un dinamismo inéditos en el resto de cómics de la época.

Teóricos como Salvador Vázquez de Parga consideran, sin embargo, que "El Tarzán" de Hogarth sigue siendo uno de los cómics más fríos y aburridos que se han producido en América con imágenes más o menos espectaculares y un protagonista absolutamente ambiguo. Aún es más crudo al referirse a su alabado dominio de la figura humana.


En 1972 regresó a la historieta y al personaje que le había dado celebridad con “Tarzán de los monos”, un libro de tapa dura de gran formato publicado por Watson Guptill en once idiomas. Marca el comienzo del sobrio volumen de ficción pictórica integrada, lo que actualmente se llama novela gráfica. Le siguió, cuatro años más tarde, Jungle Tales of Tarzán (1976), integrando técnicas que no se habían intentado antes como imaginería espacial oculta o negativa con temas de color inspirados en Goethe, para lograr una descripción visual armoniosa. Éstas serían sus últimas incursiones en la historieta.


Los textos de Hogarth forman la base de su perdurable y continua influencia dentro de la comunidad artística global y entre los lectores entusiastas.
Recibió muchos reconocimientos a su obra en los Estados Unidos, incluido el Premio Special Features de 1974, el de la Sociedad Nacional de Historietistas de 1975, Premio Magazine and Book Illustration de 1992, y docenas de premios internacionales.
Se dedicó a la enseñanza, escribió, creó y teorizó lúcida y apasionadamente hasta sus últimos días; y durante décadas lo invitaron con regularidad a acontecimientos internacionales, frecuentemente como una estrella invitada.
Falleció en París, de un ataque al corazón, tras haber asistido al Festival del Cómic de Angulema, el 28 de enero de 1996, cuando tenía ochenta y cuatro años de edad.

7.3.13

yumedust


yumedust les sonará porque es la ilustradora de varios de los personajes de League of Legends. Una galería muy agradable y que además comparte sus pinceles para descargar. Espero que les guste!